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Wie macht man einen Film über die traumatischen Folgen eines Krieges – in einem Land, in dem Kritik am Krieg verboten ist? Der iranische Regisseur Mohammad Ali Talebi versucht es mit einem Film aus Kinderperspektive mit märchenhaften und symbolischen Momenten.

„Mutter ist weg und jetzt gehst du auch“, weint die kleine Shouka (Masume Shakori) unter ihrer Decke, als der Vater sie im kleinen Bergdorf des Großvaters zurücklässt. „Nur in der Stadt kann ich etwas verdienen“, erwidert der Vater – und fügt hinzu: „Du musst jetzt an meine Stelle treten.“
Eine große Herausforderung für das Mädchen, vor allem, weil sie auch noch auf ihren kleinen Bruder Sahand (Payam Eris) aufpassen muss, der nie spricht und in der Schule deswegen gehänselt wird. Den Grund für Sahands extreme Zurückgezogenheit erfahren wir vorerst nicht. Erst als der Junge einer weißen Wildgans begegnet, die sich mit blutig geschossenem Flügel vor einem Jäger versteckt, brechen seine Erinnerungen auf: An die Zeit als er mit den Eltern bei den Öhlbohrfeldern in der Wüste lebte, an den Beginn des Krieges und an das was dort mit seiner geliebten Mutter geschah…

„Bad o meh – Wind und Nebel“ ist ein mutigerer Film als es zuerst den Anschein hat. Denn das Krieg vor allem Leid erzeugt, gilt in Deutschland als tragische Gewissheit. Im Iran dagegen wird der erste Golfkrieg von 1980 noch heute offiziell als „Heilige Verteidigung“ gefeiert. Kritik ist nicht geduldet. Es gibt nur „Märtyrer“ – keine Opfer.
So musste der erfahrene Regisseur  Mohammad Ali Talebi einen märchenhaften Erzählton und symbolische Bilder verwenden um seinen Blick auf die generationsübergreifenden Folgen des Krieges an der iranischen Zensur vorbeizuschmuggeln und im Land drehen zu können: „Es hat mich immer geärgert, dass es kaum Filme über die wahren Opfer des Krieges gibt“, sagt Talebi. „Jene Teile der Gesellschaft, die wenig Einfluss und keine Macht haben: Die Frauen und die Kinder.“ Auf der Berlinale lief der Film mit Erfolg in der „Generation“-Reihe für Erwachsene und Kinder. Im Iran wurde er bisher noch nicht gezeigt.

„Wir können keine Freunde sein“, warnt die 12-jährige Abby (Chloe Grace Moretz) den gleichaltrigen Owen (Kodi Smit-McPhee), als sie sich nachts auf dem verschneiten Spielplatz der Wohnsiedlung das erste mal begegnen. Aber langsam bahnt sich doch eine zarte Freundschaft der beiden Außenseiter an. Immerhin sind sie beide einsam: Der schmächtige Junge, der von allen gehänselt wird und das Mädchen, das sogar im Winter barfuß läuft und nur nachts herauskommt. Erst später lernt Owen, dass es einen ganz besonderen Grund gibt, warum Abby das Sonnenlicht meidet: Das Mädchen ist ein Vampir, der sich von Blut nähren muss um zu überleben…

Regisseur Matt Reves („Cloverfield“) überträgt den Roman „So finster die Nacht“ von John Ajvide Lindquist (der in Schweden bereits erfolgreich verfilmt wurde) behutsam und respektvoll ins verschneite New Mexico und in das aufgeheizte Klima der Reagan-Ära, als die Welt klar aufgeteilt war in Gut und Böse. Doch genau diese Grenzen verwischen immer mehr, je tiefer die ungewöhnliche Freundschaft zwischen Abby und Owen wird.

Die Teenager Chloe Moretz und Kodi Smit-McPhee spielen ihre komplexen Figuren mit erstaunlicher Souveränität, während Charaktermimen wie Richard Jenkins oder Elias Koteas in Nebenrollen die Eindringlichkeit und Glaubwürdigkeit der Geschichte noch verstärken.

Obwohl ab und zu auch Blut fließt, setzt der Film nie auf billige Schock-Effekte, sondern zieht seine Kraft aus sorgfältig aufgebauter Spannung, einer prägnanten Klangkulisse und atmosphärisch-dichten Bildern, mit manchmal geradezu magischer Lichtstimmung. Das macht „Let me in“ auch für Menschen sehenswert, die sonst mit Grusel- oder Vampirfilmen wenig anfangen können.

WERTUNG: 2

Der 19-jährige Roman (Thomas Schubert) ist ein stiller, in sich gekehrter Junge, der seine Zeit in einem Wiener Jugendknast absitzt. Seine Chancen auf vorzeitige Haftentlassung stehen schlecht. Auf Drängen seines Bewährungshelfers nimmt Roman einen Job an – allerdings einen, der sein Einzelgängertum noch verstärken könnte: Er wird Leichentransporter bei einem Bestattungsunternehmen. Doch hier lernt Roman eine neue Welt kennen. Eine Arbeit, die irgendwo zwischen Müllkutscher und heiliger Handlung liegt und die ihn schließlich sogar auf eine ganz persönliche Reise schickt: Auf die Suche nach seiner Mutter…

„Atmen“ überrascht als geschmackvoll inszenierter und angenehm ruhiger Film voll kleiner Gesten und kurzer, pointierter Dialoge. Fernab aufgeblasener Hollywood-Gefühle oder deutschem Betroffenheitskino erweckt der Film das Gefühl, echten Menschen in ihrem Leben zuzusehen. Man merkt, dass in dieser Produktion viel Herzblut steckt!

Und tatsächlich erfüllte sich Schauspieler Karl Markovics („Die Fälscher“) mit seiner ersten Arbeit als Autor und Regisseur den lang gehegten Traum „eine Geschichte zu erfinden und sie zum Leben zu bringen“.

Monatelang recherchierte er bei Bestattern, Jugendstrafanstalten und Bewährungshelfern um das jeweilige Milieu glaubwürdig auf die Leinwand zu bringen. Im Laienschauspieler Thomas Schubert fand er einen idealen Mittelpunkt für diese Geschichte.

Besonders gelungen ist auch die Kameraarbeit von Martin Gschlacht, der das breite Cinemascope-Format mit solch unaufdringlicher Meisterschaft handhabt, dass wir Zuschauer stets zwei Möglichkeiten haben: Distanziert ein schönes Bild zu betrachten oder mitten hineinzugehen in eine Geschichte, die gerade einfach so zu passieren scheint.

WERTUNG: 1

Jerusalem, 2002: Bei einem Attentat verliert eine junge Frau ihr Leben. Da sie keine Papiere dabei hat ist der einzige Hinweis auf ihre Identität ein Lohnzettel einer Großbäckerei. Deren Personalmanager (Mark Ivanir) macht sich daran, herauszufinden wer die Tote war und stellt fest, dass es sich um eine rumänische Gastarbeiterin namens Yulia handelt. Da sie in Israel keine Verwandten hat übernimmt er schließlich sogar die Verantwortung sie in ihre Heimat zu überführen – auch weil sich die Bäckerei von der ungewöhnlichen Aktion einen Image-Gewinn verspricht.

Begleitet von einem aufdringlichen Journalisten (Guri Alfi) und dem Sohn der Toten (Noah Silver) fährt er mit Yulias Sarg im klapprigen VW-Bus quer durch Rumänien – wohl wissend, dass er dadurch sein eigenes Familienglück zu Hause weiter gefährdet…

„Die Reise des Personalmanagers“ von Eran Riklis („Die syrische Braut“) krankt etwas an der überlangen Exposition, die nur dazu dient den Manager endlich auf die titelgebende Reise zu schicken. Glücklicherweise entwickelt sich aber sobald der Film in Rumänien ankommt doch ein durchaus sehenswertes Road-Movie, das die skurile Familienreise von „Little Miss Sunshine“mit dem bürokratischen Alptraum von Kafkas „Schloss“ zu verbinden scheint und nebenbei glaubwürdige Einblicke ins rumänische „Niemandsland“ bietet. Ein Film für Geduldige der den Publikumspreis in Locarno gewann und Israels Kandidat als „Bester Ausländischer Film“ bei den nächsten Oscars ist.

WERTUNG: 3

Der Trier, der Trier, den lob ich mir.

Mag der ulkige Däne auf Pressekonferenzen noch so überfordert sein – im Regiestuhl ist er nach wie vor eine Macht. Bei kaum einem anderen Filmemacher hat man so stark das Gefühl, dass hier wirklich einer seine Seele direkt auf die Leinwand überträgt.

Und was da alles rumort! In „Melancholia“ geht es um nicht weniger als um einen neuen Planeten, der bisher hinter der Sonne versteckt (!) war und nun mit der Erde zu kollabieren droht. Doch erst mal verfolgen wir das  Hochzeitsfest von Justine (Kirsten Dunst), die sich alle Mühe gibt, die glückliche Braut zu mimen, während um sie herum die (soziale) Welt aus den Fugen gerät. Im zweiten Teil müssen sich die „Überlebenden“ der Hochzeit einer neuen Bedrohung stellen, als Melancholia immer näher kommt.

Der erste Teil wirkt (zumindest auf den ersten Blick) gar nicht so neu: „Das Fest“ lässt deutlich grüßen. Doch wie so oft gibt es bei Trier Falltüren die aus der (selbst schon altmodisch wirkenden) „Kritik an altmodischen, verkrusteten Gesellschaftsformen“ hinausführt – hinein in mythische Untiefen. Was, wenn Teil 1 und Teil 2 – das Fest und die Apokalypse, gar nicht zeitlich nacheinander kommen, sondern nur zwei Ansichten der selben Sache sind? Ist dieser Planet mit dem Namen eines Gefühls wirklich als solcher wahrzunehmen oder ist er Ausdruck einer Innerlichkeit, die bisher von der Sonne (dem Logos) zurückgehalten wurde? Sind da nicht deutliche Paralellen zur Gefühls/Logik-Thematik von „Antichrist“? Sind wir schon wieder mitten in einer neuen Trier Trilogie? Mögliche Titel: „Frauen und Männer“ oder „Sterne sind auch nur Menschen“?

Wie immer bei Trier ist es auch bei diesem Film nicht einfach – vielleicht sogar unmöglich – ihn eindeutig zu erklären. Stattdessen öffnet sich viel, viel Raum für eigene Gedanken und Interpretationen. Ziemlich eindeutig feststellen lässt sich aber, dass mir die Mischung aus Dogma-Handkamera und Ultra-Edel-Komponierten Bildern diesmal sehr gut gefallen hat und auch dass diesmal auf grobe Ekeleffekte verzichtet wird. Auch der Umgang mit den Perso nen scheint diesmal viel „netter“ als sonst – es menschelt auf angenehme Weise wie seit „Idioten“ nicht mehr. Aber lasst das mal nicht den Trier hören, sonst muss er aus Provokation wieder was extra-arrogantes Nachschieben.

Jedenfalls: Große Kunst!
Zu den Sternen!

WERTUNG: A

Unsterbliche haben viel Zeit: Drei Filme lang warb der Vampir Edward (Robert Pattinson) um das Herz der jungen Bella (Kristen Stewart). Die zögerte lange, ob sie sich für den vornehmen Blutsauger entscheiden sollte oder für den weitaus leidenschaftlicheren Werwolf Jacob (Taylor Lautner). Nun läuten die Hochzeitsglocken und widerwillig führt Papa Charlie seine geliebte Tochter zum Altar.

Bella hat sich getraut. Mit Edward, natürlich. Alle Freunde und Verwandten sind da, dürfen noch mal winken und – mehr oder minder ernst gemeinte – Warnungen aussprechen. Dann geht’s ab in die Flitterwochen auf eine unberührte Südseeinsel. In diesem Paradies merken Bella und Edward aber bald, dass auch ihre unsterbliche Liebe ganz reale Probleme hat: Leidenschaft und Fürsorge müssen in Balance gebracht werden, denn die bisher platonisch Liebenden wollen sich auch erotisch finden – was bei der übermenschlichen Stärke von Vampiren gar nicht leicht ist. Schließlich wird das Vertrauen der zwei auf eine harte Probe gestellt, als eine neue Bedrohung für Bellas Leben auftaucht, gegen die alle bisherigen Attacken feindlicher Vampire geradezu harmlos wirken…

Auch in „Breaking Dawn – Bis(s) zum Ende der Nacht – Teil 1“ bemühen sich die Filmemacher redlich darum, möglichst nah an den Erfolgsromanen von Stephenie Meyer zu bleiben. Das funktioniert zumindest kommerziell gesehen ganz gut: „Twilight“-Fans schauen den Film sowieso und bekommen, was sie erwarten – alle anderen können ruhigen Gewissens zu Hause bleiben.

Doch selbst mit wohlwollendem Blick lässt sich feststellen, dass die neue Folge unter der Regie von Bill Condon nicht die stärkste der Serie ist. Das liegt zum einen daran, dass durch Bellas Hochzeit die Luft raus ist: Das Dreiecksverhältnis mit Jacob, das als starker Motor der Charaktere diente, ist vorbei und auch Bellas Beziehung mit Edward wird sachlicher: Die Zeit des Flirtens ist vorüber – nun muss das Paar sich bewähren.

Durch diese neuen Umstände gerät auch der stete Wechsel zwischen Romantik, Action, Humor und Grusel ins Stocken, der die Serie bisher so amüsant machte: „Breaking Dawn – Teil 1“ zerfällt in zwei klar getrennte Hälften: Erst das Hochzeitsglück, dann das Familien-Drama. Gut gelungen ist dagegen nach wie vor die stilvolle Inszenierung: Kostüme, Kulissen, malerische Landschaften und eine abwechslungsreiche Songauswahl tragen den Film über manche Länge.

Und vielleicht wird man diesen Streifen auch neu bewerten können, wenn die Reihe mit dem letzten Teil vollendet wird: Als langsame Hinführung zu einem dramatischen Finale. Doch bis dahin heißt es noch lange warten. „Breaking Dawn – Teil 2“ startet erst in einem Jahr. Aber was ist schon Zeit für Unsterbliche?

WERTUNG: 3